Opinión cinematográfica

REC

Sustos sin miedo.

Hay que entender que lo que vemos en el cine siempre es ficción pero si esta se asocia a la verosimilitud para acercar más el miedo al espectador al hacerlo más creíble hay que ser consecuente. Lo digo porque el planteamiento de esta película es que todo lo que espectador ve en pantalla es el material bruto de una cámara. Ese efecto nos lo creemos aunque son sospechosos esos problemas de audio en momentos donde son necesarios ciertos sonidos efectistas que toda película de terror debe tener. Lo que ya no nos creemos son los diálogos (la entrevista a la china) y acciones (el operador de cámara graba en momentos en los que ni el mayor de los profesionales lo haría entre personas sometidas a esa situación). O el tratamiento de los personajes de la comunidad. Ese argentino homosexual, esos ancianos despistados, esa mujer insoportable hasta decir basta! madre de la niña enferma. Son, a mi parecer, demasiado extremos no tienen matices. Las personas no somos blancos o negros. Por ejemplo, cuando están todos reunidos y parece salirle a todos (menos al practicante, que parece el más creible de los personajes de dicha comunidad) esa vena racista xenófoga al culpar de todo los males a la familia de chinos. Pero incluso lo irreal también debe de tener sentido. Cómo ha llegado a transmitirse la enfermedad en la comunidad si el transmisor estaba donde estaba. Por qué los enfermos atacan cuando interesa. La reacción de la niña es en el momento preciso. El policía y el bombero que están en la simulada enfermería atacan justo antes de que le pongan las esposas. Estos son ejemplos claros de lo que digo. Ni que decir tiene que cuando los dos únicos supervivientes, hasta el momento, miran desde el piso más alto hacia el hueco de la escalera de la comunidad todos los malos parecen ponerse de acuerdo para mirarles desde abajo, todos colocados para dejar un encuadre adecuado a cámara. Creo que este tipo de cine debe de ser consecuente consigo mismo. Las cosas suceden, y nosotros (la cámara del reportero) somos testigos de ello. Sin embargo en esta película los hechos suceden porque alguien los ha escrito a su conveniencia para llevar al espectador donde les interesa. Hay ciertas películas de este género (la magnífica 28 semanas después, por citar una película reciente con director y guionista españoles J. Carlos Fresnadillo y Jesús Olmo) que tienen algo más de trasfondo en el historia para que los sustos den paso al miedo. Esta, en mi modesta opinión, sólo tiene eso. Sustos. Si ese era su objetivo cumplido está

La sombra del reino.
Al inicio tan lejos y al final tan cerca.
Aunque no tanto.

El inicio de esta película es bastante ilustrativo. En menos de cinco minutos y mediante imágenes de archivo e infografía 3D son capaces de resumir, y creo que bastante bien, la relación de los últimos cien años entre Arabia Saudí y los EEUU. Después parece vemos el típico film bélico americano. Con todos sus ingredientes. La parte de acción está impecablemente rodada (P. Berg parece ser mejor director que actor, lo podemos ver en Leones por corderos) aunque con todos los arquetipos de personajes del género. El duro durísimo, el chistoso graciosísimo, etc...
Lo que me parece más interesante es la evolución por la que nos conduce la historia. Me refiero en cuanto a la comparativa de la sociedad musulmana con la americana.
Así comienza la historia:
Los padres americanos (J. Foxx el protagonista de la película) asisten y comparten clases en el colegio con sus hijos mientras que los musulmanes llevan a los suyos a que sean testigos de una matanza en vivo. Eso sí, en el momento en que todas las víctimas, incluido el musulmán que se inmola, van a salir por los aires tiene la delicadeza de taparle los ojos. Continua con que los americanos son los únicos capaces de encontrar a el culpable de toda ese barbarie pero necesitando la estimable colaboración de un buen musulmán. Y termina con que a pesar de haber salido victoriosos en la aventura.Todos vivos y la muerte de sus compatriotas vengada. Ellos no están realizados. Se podría interpretar incluso que están tristes. Puede que algunos espectadores piensen (sobretodo el norteamericano)que sea por la muerte del estimable colaborador. No lo sé, pero para mí, (y quizá sea sólo un deseo) puede que el motivo de la tristeza de los héroes sea este otro: En que gran parte de la sociedad norteamericana (entre ellos muchos cineastas como Michael Mann, productor de esta película) son capaces de ir un poco más lejos y ser autocríticos con su política exterior errática. Y sean capaces de equiparar la acción bélica norteamericana con la de los atentados de los extremistas musulmanes. Matar, sea cual sea la causa nunca será la solución a un conflicto sino todo lo contrario. Hará que perdure más en el tiempo.
El susurro, entre soldado americano y la soldado americana es exactamente el mismo que el del moribundo cabecilla del eje del mal a su pequeño nieto antes de morir. Este susurro a modo de Macgufin, lo descubrimos al final de la historia, como todo buen macgufin, pero no soy tan optimista como para obviar que no es lo mismo decirle algo así a una adulta soldado que a un niño de boca de su abuelo moribundo. Reconozco que no es el paso definitivo que desearía haber visto en esta película. Aunque viendo el comienzo. El final, sí es un gran paso, aunque un poco velado, hacia como no hay que afrontar los conflictos para solucionarlos de verdad. Desde luego no matándolos a todos.

Luz de domingo
Lo moderno no es cine

Comienzo mi opinión sobre esta película así debido a que en las últimas obras de Garci siempre te da la sensación de que estás viendo un clásico de los 60. Cine antiguo pero sin duda el director, no olvidemos que también es guionista y productor, lo hace a conciencia. Me imagino que esta afirmación, la del inicio la podría hacer Garci sin complejos. Siempre pienso que con todo el esfuerzo que hay que realizar en una película y la cantidad de creativos que trabajan para un sólo objetivo nada debe de hacerse de improviso. Con Garci tengo esa misma sensación pero multiplicada por muchas cifras. Desde luego, él realiza sus películas como quiere. Hay muchos directores que no pueden decir lo mismo. De eso no hay duda desgraciadamente. Parece que para él el cine actual no es cine. Es otra cosa. Parece que todo debe de ser artificioso (lo digo en el buen sentido). Con esos efectos sala excesivos y con esos encadenados en total desuso en el cine actual. No estás viendo realidad estás viendo ficción. Para Garci eso es el verdadero cine. Es discutible pero en este film consigue hacer su cine aunque con un texto anticuado y rodeado de toda esa artifiosidad voluntaria. El problema es cuando en ciertos momentos se le ha querido dar a la trama cierta actualidad que el texto no tiene. Y sorprende en ciertos momentos como un director con tanta experiencia y con tanto control en el acabado de su obra consienta que en unos de los planos finales el guardia civil arrodillado le diga de esa forma lo que le dice a Alfredo Landa o como puede contemplar un final tan recargado con las imágenes de su amado Nueva York con esa ponposidad. Entiendo que Urbano es aficionado a la pintura pero en ningún momento dicha característica del personaje protagonista influye en el resto de la cinta. A pesar de todo ello lo que no se puede discutir es que los actores están muy bien. Y técnicamente es un producto muy bien acabado con una excelente fotografía, un buen vestuario, una buena ambientación también en la música y un excepcional trabajo con los decorados de Gil Parrondo. Como el director dice ¨No sé si alguna vez conseguiré hacer una obra maestra¨ desde luego, a mi juicio, esta no lo es.

La pareja protagonista

Paula Echevarría y Álex González.

A él nos lo creemos desde el principio interpretando el papel de Urbano. Bajando del carruaje ya parece un actor veterano que interpreta sin ningún complejo junto al que parece que será su último papel en el cine. Alfredo Landa. A pesar de la dificultad del texto, parece que esté sacado literalmente de la obra de principios de siglo pasado, ambos, interpretan sus personajes con credibilidad, muy buena voz y dicción (esto suele ser una asignatura pendiente en los actores jóvenes españoles). Hay buena química entre ellos y ese enamoramiento inmediato que siempre resulta tan difícil de creer, funciona. Aunque el hermoso rostro de ella no encaje demasiado a mi juicio con lo que se presupone de una chica de su edad en un pueblo de la montaña de Asturias de esa época. Sí, su forma de moverse, de hablar e incluso de tocar. Se puede ejemplificar lo que digo en la secuencia de la iglesia cuando le describe a su amiga el amor que siente por Urbano. Está secuencia en manos de una mala actriz hubiera quedado realmente ridícula pero con sus gestos, con sus pausas y su emoción verdadera hace que te creas todo. Esa inocencia de adolescente que a su vez se transforma en madurez al ser capaz de retener esos sentimientos y expresarlos como una mujer. Esa mezcla es compleja de expresar en una sola secuencia. Quiero destacar también la actuación de Tony Acosta que comparte con Paula esta y otra secuencia. La de la despedida que está rodada en plano secuencia y con las actrices de perfil al espectador y sentadas en la cama. Es posible que sea la secuencia más emotiva del film sin duda gracias a la interpretación de ambas actrices pero me pregunto si con otro tipo de dirección se le podría haber sacado más provecho al estado de gracia de Tony y Paula. Echo de menos aunque sea un primer plano de alguna de ellas. Es formidable también como Álex consigue que sutilmente diferenciemos entre la bondad y el ser cabal de su personaje de algo que suele estar tan cercano al tonto y el inocente. Esa candidez en la mirada de Álex. Sin duda, hasta ahí es inteligente Garci. En la elección de sus actores. Pocos tienen esa bondad en su mirada y además ser capaz de transmitirla a la gran pantalla. ¿Pero es posible que alguien sea tan dulce y bueno? Con verlo moverse, reírse, abrazar, besar o ponerse serio y tener que levantarse de su silla para poner las cosas en sus sitio (lo hace en dos ocasiones con Alfredo Landa al pedir la mano de su nieta y con Carlos Larrañaga al demostrarle que no es un corrupto). Ahí está el hombre cabal y recto aunque bondadoso. No me cabe duda de que la bondad existe al ver a este gran actor en acción.

Aunque claro, para Garci no existe el cine sin falsedad ni artificio. Y estoy seguro de que al igual que no veo el cine como lo ve Garci él no verá como yo la vida y por lo tanto no estará muy de acuerdo con esta palabras sobre su film. Aunque es muy probable que en la opinión sobre el protagonista de su película sí que coincidamos.

Redacted

Realidad o ficción.

Verdad o mentira.

Brian de Palma tienen una intención loable. Según sus palabras "Son las imágenes las que detendrán la guerra" y pretende hacernos ver que su película es real, que todo lo que allí pasa sucedió realmente. Utiliza una cantidad tan diversa de formatos (archivos webs, chats, grabaciones caseras, cámaras de seguridad, etc...) para su cometido, pero desgraciadamente y a mi entender, no lo consigue. Es más, el efecto es el contrario. No me creo ese soldado aspirante a director de documentales. Tampoco esas imágenes del supuesto documental francés y menos aún lo que sucede delante del objetivo de la cámara de seguridad.

Pero, para el final nos reserva lo "mejor". Nos invita a que veamos fotografías reales del conflicto, según enuncia él mismo en los créditos finales. Incluso, aparecen con las caras tachadas como las palabras del cartel que a modo de censura se emborronan o los créditos iniciales del film que también tienen el mismo efecto. Lo que para él simboliza la censura que tanto los medios de comunicación como los gobiernos (el sistema como el director llama) aplican a la sociedad para que no vean la verdad o realidad de la guerra. Contradictoriamente lo aplica él en su propia película. Ya que sólo dos de las fotos son las que no aparecen "censuradas". La mujer embarazada asesinada en el Check point por los propios soldados americanos y la última de la serie y el centro de la trama del film. La fotografía de la chica de 15 años violada y quemada por los protagonistas de su película.

Esto es lo grave de esta denuncia de Brian de Palma que pretende ser el real y verdadero reflejo de la guerra sin censuras pero como el sistema que él tanto critica utiliza la mentira para que nos creamos su propia ficción.

Spot Brinkmann

http://www.blogger.com/www.vfproducciones.com

Aquí tienes el Spot de Brinkmann.

Al final de este Blog tenéis el guión literario que escribí desde el 2003 al 2005. Justo el día antes del rodaje tuve que hacer bastantes modificaciones pero me parece interesante que podáis ver todo el proceso de esta producción audiovisual. De hecho hay una gran diferencia del guión al documental.

En estos días procuraré "colgar" el documental completo.

Aquí lo tenéis:

http://vids.myspace.com/index.cfm?fuseaction=vids.channel&channelid=293409110

Artìculo de Opiniòn

Versión original
Nos hurtan la posibilidad de poder disfrutar del mundo del cine con todo su esplendor y rigor. Entiendo que haya ciertos espectadores que prefieren ver las películas dobladas, pero cuando salgo del cine y escucho algún comentario de algún espectador que critica positiva o negativamente la interpretación de un actor, siempre me pregunto como es posible que se tenga esa opinión sin ni siquiera haber podido disfrutar de cada entonación, requiebro de voz, sutileza o incluso acento con la voz "original" de cada intérprete. Sin lugar a dudas una herramienta fundamental del actor y por lo tanto aunque parezca evidente decirlo, la forma en la que el director (con todo su equipo, claro)"deseaba" contar su historia. No olvidemos que el actor, en la mayoría de los casos, es el principal transmisor del director en una película y no el director de doblaje que es una cosa bien distinta. Este complejo tema incluso puede llegar, como afortunadamente así ha sido, incluso hasta las interrupciones por lo anuncios en televisión, el respeto al encuadre panorámico cuando se emite una película en formato televisivo o el sonido original que también se ve vilmente masacrado cuando una película se dobla. Pero creo que las fuerzas deben unificarse en una dirección, que en mi modesta opinión es la versión original en los cines y por supuesto en la televisiones, para que el mundo creativo del cine se empiece a respetar.
Comprendo la dificultad del asunto y reconozco la gran labor de los dobladores españoles que tienen magníficas voces y una gran capacidad interpretativa. Pero, cómo negarles a los espectadores la posibilidad de disfrutar de grandes voces como las de Morgan Freeman, Clive Owen, Cate Blanchett, Isabelle Hubert, Juliette Binoche, Tony Leung Chiu-Wai (actor fetiche de Wong Kar Wai ), Javier Bardem, y un largo ect... Y por lógica respetar ya no sólo a los actores/actrices sino a la de todo un equipo que ha realizado un gran film. No he tenido la oportunidad de ver ninguna película española o rodada en castellano doblada a otro idioma, pero debe de ser un "shock" ver por ejemplo, a Lluís Homar o Darío Grandineti en cualquier país de habla no hispana pero escucharlo hablar con la voz de Jogan Bruohknt (imaginando que exista algun doblador en algún país con este nombre). Para nosotros ya no sería ni el gran Darío ni el portentoso Lluís Homar. ¡Nada que decir, lo que pensarán ellos mismos!
Creo que no somos sólo los espectadores los que nos merecemos ver la películas con toda su integridad sino algo más importante, son los creadores (directores, actores, directores de fotografía, productores, sonido, etc...) los que se merecen el respeto de poder exponer su obra completa y sin “contaminación externa”.
Desde aquí agradecer a todas las salas que hacen una apuesta firme por proyectar películas en versión original. Aunque quizás haya que objetar que cuando uno tiene la posibilidad de acceder a una sala en V.O.S. con la dificultad que ello acarrea si no se vive en Madrid o Barcelona tienes una gran probabilidad de ver los trailers doblados. Sorprendente, ¿no?
Desde este humilde blog invito a los espectadores del buen cine que no dejen escapar la oportunidad de ver una verdadera obra de arte con todas las sutilezas y también porque no, con todos sus errores. Sí, con sus errores pero al fin y al cabo de sus errores originales y no una versión de ellos.

Análisis fílmico

El Asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford.

El objetivo en busca de la realidad. !Una verdadera película!

Una película la vemos siempre a través del objetivo de un proyector en una sala de cine y se rueda siempre a través del objetivo de una cámara. Jesse James es retratado por el objetivo de una cámara fotográfica después de ser asesinado por Robert Ford. El “objetivo” de Andrew Dominik director de esta obra de arte consigue que seamos testigos de la visión que pudo tener el propio Jesse James (interpretado magníficamente por Brad Pitt)de su propia vida. Incluso la visión de tu propia vida puede ser ficticia para los demás. El director muestra su visión particular sobre la que Jesse James pudo tener de los acontecimientos de su vida. Dominik utiliza un objetivo con una lente especial o en postproducción deforma la imagen por los bordes para dar la sensación de que lo que ve Jesse James lo hace a través de un cristal que deforma la realidad. Este es su supuesto objetivo (el de Jesse), la ventana desde donde mira a su hija o el cuadro desde donde ve el reflejo de Robert Ford justo antes de "asesinarlo-suicidarlo" vil e impunemente. Los espectadores somos testigos impasibles al oír la voz en off, que realmente son las historias noveladas de la época que el asesino lee en su adolescencia) como nos narra lo que supuestamente vamos a ver. Cual es nuestra estupefacción, y creo que la de Robert Ford, al constatar que estos hechos narrados no corresponden con los que vemos en pantalla. Esta técnica formal me parece un verdadero hallazgo para mí, sin parangón en el mundo del cine, sobretodo en el americano. Robert Ford es un espectador más como nosotros y nos damos cuenta de que las palabras que anteceden a la acción no corresponden con lo que luego vemos. Jesse James no es lo que los textos de la época decían de él. Casey Affleck lo recrea perfectamente construyendo un personaje frágil, desvalido, enigmático, resentido y capaz de matar con tal de dejar de ser él mismo. Consigue suplantarlo incluso en su posterior faceta de actor interpretándose a sí mismo en su pantomima teatrera del cruel suceso del que trata la película. Aunque trata también obviamente otros temas como el de la esperara de la muerte en todas sus facetas. La espera en el “corredor de la muerte” por todos sus antiguos colaboradores acentuándolo más aún con los dos hermanos Ford en la propia casa de Jesse. Hasta el machismo existente en aquella época viéndose reflejado en el film con la total ausencia de protagonismo de los tres únicos personajes femeninos. Que son unas sirvientas exclusivas de los hombres y que estos no tratan ni con más cariño que a sus caballos. Para mi, la esencia fundamental que extraigo de esta obra maestra es la dificultad de ver la realidad tal y como es. Podríamos confirmar que la realidad no depende del objetivo-lente con que se mire sino que cada uno de nosotros tenemos nuestra propia realidad. Siempre será única y pura ficción para los demás. !Una verdadera película!